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[影像艺术交流] 解读各类艺术 如何看待艺术 [复制链接]

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发表于 2014-6-10 14:32:07 |显示全部楼层
     影视艺术

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  影视艺术是时间艺术与空间艺术的复合体,它既象时间艺术那样,在延续时间中展示画面,构成完整的银幕形象,又象空间艺术那样,在画面空间上展开形象,使作品获得多手段、多方式的表现力。影视艺术包括电影、电视、及两者所表达的艺术效果。电影是影视艺术的起源,电视是影视艺术的衍生物之一。



  影视艺术创作中,比较强调影视艺术作为时间艺术的观点一 直影响着我们的创作方法。法国电影理论家马

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影视艺术

  塞尔·马尔丹曾说:“在作为电影世界支架的空间——时间复合体(或空间——时间连续)中,只有时间才是电影故事的根本的、起决定作用的构件,空间始终是一种次要的、附属的参考范围。”在这种观点的指导下,长期以来我 国的故事片大多数都是以叙述故事情节的发展来结构影视,它是一种线性的思维方式,是按故事情节开展的环境背景来考虑空间的,但影视故事与一般的故事是不同的,它必须以造型 ——空间的形式呈现出来,通过造型表现手段——光影、色彩和线条所组成的构图、色调和影调来叙述故事,抒发情感,阐述哲理。因此,更确切地说,影视艺术应是一种时空综合艺术。影视艺术是传统艺术资源与现代艺术技术充分交融的结果,是多种时间和艺术的有机综合。在人类艺术史上,影视艺术已是成熟稳定型的最年轻的艺术样式。

  电影艺术

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  电影艺术是现代科学技术与艺术相结合的产物。电影艺术是以画面和音响为媒介,在银幕上创造出感性直观的形象,再现和表现生活的一门艺术。



     分类

  1895年12月28日,法国卢米埃尔兄弟在法国大咖啡馆播放《火车进站》、《水浇园丁》等短片。电影的样式分为故事片、记录片、科教片、美术片等四大分类。
特点

  美学特性表现为造型性与运动性的有机统一;逼真性与假定性的统一;综合性与技术性的有机统一。

  表现手法

  蒙太奇是电影最基本最独特的艺术表现方法。电影的蒙太奇,除了镜头内部、镜头与镜头之间的组合关系外,还包括画面与音响、音响与音响之间的组合关系,由此形成各个有组织的片段、场面,直至一部完整的影片。银幕上的世界是一个特殊的时空复合体。电影是各类艺术人员集体智慧的结晶,导演是影片摄制的中心,他必须以电影文学剧本为基础,进行全面设计、总体构思,充分调动各个艺术和技术门类的创造性,共同完成影片创作。

  动漫艺术

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  《动漫艺术》一方面在理论上通过对动漫的基本概念、发展史、特征和其所涉及艺术领域的分析,帮助人们解读动漫,了解动漫,通过对动漫创作中的关键部分,即对形象塑造的研究。进一步分析动漫和动漫形象的特点,说明动漫形象的设计不仅仅是掌握外观造型的方法和绘画技能。更重要的是要对动漫形象具有的内在涵义和特性有所理解;另一方面将形象作为学习动漫的一项重要的基础课程,通过实践练习,学习幽默和夸张的方法,掌握形象创作的规律以及各种漫画的创作方法,以培养和提高学生的动漫意识、动漫素质和动漫表现能力,为今后的原创动漫打下坚实的基础。



  动漫,是动画和漫画的合称。两者之间存在密切的联系,中文里一般均把两者在一起称呼为动漫。 动画(animation或anime)或者卡通(cartoon)所指的是由许多帧静止的画面连续播放时的过程,虽然两者常被争论有何不同,不过基本上都是一样的。无论其静止画面是由电脑制作还是手绘,抑或只是黏土模型每次轻微的改变,然后再拍摄,当所拍摄的单帧画面串连在一起,并且以每秒16帧或以上去播放,使眼睛对连续的动作产生错觉(因为视觉残像所造成)。通常这些的影片是由大量密集和乏味的劳动产生,就算在电脑动画科技得到长足进步和发展的现在也是如此它是一个新名词。


  视频艺术


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  视频艺术又叫录影艺术或录像艺术,通过创造性地利用视频技术产生可以在电视屏幕上观看的一种艺术形式,产生于20世纪末。是60年代中期兴起的前卫艺术表现形式,延续至90年代仍然为世界许多美术家所热衷。今天,视频艺术已经成为一种非常受欢迎的绘画形式,特别是拼贴画中。 视频艺术是指艺术家通过录影的手法来创作艺术品作品。艺术家并不全是把录影当成媒体的性质,而是将录影当成表现技术和方法加以运用,来表达他们的艺术创造意念。许多观念艺术、装置艺术、身体艺术、地景艺术等艺家,都曾藉视频艺术传达他们的作品给观众。




  发展

  电视机和摄像机的逐渐普及,开始摆脱胶片昂贵费用所带来的创作局限,大量使用视频和录像技术,带动与兴起了艺术中的一场媒介革命,形成了以电视等为展示工具的视频艺术。这种新的艺术样式从横向上吸纳了装置艺术和行为艺术的表现方式,加入了诸如身体、电视机等新的媒介材质混合构成视频装置艺术;从纵向上它注重创作主体自身主体性的挖掘,在对主体性的展示过程中拓展为观念性和自我认同性的两类视频艺术。视频艺术是人类的一种新型的虚拟性的审美体验。
电影艺术


  电影艺术是视频艺术中最重要的起源类型,是现代科学技术与艺术相结合的产物。电影艺术是以画面和音响为媒介,在银幕上创造出感性直观的形象,再现和表现生活的一门艺术。
因此,视频艺术的起源可以追溯到19世纪中期,虽然电影艺术并不等同于视频艺术,但如果没有电影艺术的铺路,恐怕也不会有今天的视频艺术繁荣。1895年12月28日,法国卢米埃尔兄弟在法国大咖啡馆播放《火车进站》、《水浇园丁》等电影短片,成了划时代的历史记录。电影的样式分为故事片、记录片、科教片、美术片等四大分类。


  电影艺术的特点也正视频艺术的主要特点:美学特性表现为造型性与运动性的有机统一;逼真性与假定性的统一;综合性与技术性的有机统一。我们现在所说的电影艺术并不等同于视频艺术,主要是指的视频技术方面的差别。而艺术上,视频艺术几乎全面模仿了电影艺术。


  蒙太奇是电影最基本最独特的艺术表现方法。电影的蒙太奇,除了镜头内部、镜头与镜头之间的组合关系外,还包括画面与音响、音响与音响之间的组合关系,由此形成各个有组织的片段、场面,直至一部完整的影片。银幕上的世界是一个特殊的时空复合体。电影是各类艺术人员集体智慧的结晶,导演是影片摄制的中心,他必须以电影文学剧本为基础,进行全面设计、总体构思,充分调动各个艺术和技术门类的创造性,共同完成影片创作。


  视频艺术也正是全面承继了电影艺术的蒙太奇手法,才真正成为了艺术,才真正区别于了技术。
电视艺术


  电视艺术是一门迄今为止最年轻的艺术,1936年英国广播公司在伦敦正式播放电视节目,标志着电视的诞生。电视剧是电视艺术的主要类型,主要包括单本剧、连续剧、系列剧或小品等。特点:荧幕小,画面小,清晰度差,在镜头上多用中近景和特写,少用远景和全景,场景转换不宜太快;观赏特点,给观众以想象空间和介入机会,引人入胜;生活化特点,逼真反映生活。
电视艺术定义的源起和阐释:艺术曾经需要并且永远需要丢掉实用性,创造出幻想的生活。——(前苏联)莫·卡冈。


  凡是能够给审美主体带来审美愉悦的客观存在物便可称之为艺术。卡努杜《第七艺术宣言》把电影称为第七艺术,而自贝尔德发明电视以来,电视已愈发被世人认可为第八艺术,于是电视艺术的概念也随之产生并被广泛认可。


  电视艺术,是以电子技术为传播手段,以声画造型为传播方式,运用艺术的审美思维把握和表现客观世界,通过塑造鲜明的屏幕形象,达到以情感人为目的的屏幕艺术形态。
电脑合成艺术


  准确地说,电脑合成是技术,是随着计算机技术的发展应运而生的技术。但由于电脑合成技术逐渐被运用到电影、电视、电脑视频等艺术形式中,并越来越发挥着十分重要的作用,这样的结合就形成了全新的可以自成一体的电脑合成艺术。
特别是在动画制作上,电脑合成技术使得过去不可能人工做出来的场景,被维妙维肖地合成出来,甚至有了三维效果。表现手法上,电脑合成也如同电视艺术一样,大量借鉴引用了电影艺术的表现模式。


  今天,我们已经可以看到,电影、电视和电脑合成技术和艺术往往同时出现在可视作品中,它们已成为视频艺术中不可分割、水乳交融的艺术奇葩。

  录影艺术


  录影艺术:以电子摄影机拍摄影像技术为基础而发展出的艺术形式。表现方向有“复合式录影艺术”及“单体录影艺术”两种。
媒体艺术


  媒体艺术:狭义的媒体所指的并非实质上构成艺术的媒材,而是指大众媒体(Mass Media)。艺术以资讯形式呈现,如报纸、电视、广告海报与告示板等(Atkins R.1990 )。广义的媒体艺术括了录影艺术,声音的艺术,录影装置艺术、录影投影装置、互动艺术、机械艺术、光艺术、照相、电影、表演。在高科技技术整合艺术媒材所称的科技艺术,也都包含在内。


  视频艺术的发展

  背景

  从技术发展来探讨,1951年美国Ampex公司首先开发录影机(VTR),使用两英寸宽磁带录放节目,1965年SONY 盘式携带型黑白摄影机系统推出(半寸录影磁带、螺旋式扫描、电晶体录影机),1970年四分之三寸录放影机系统推出,也增加了录影机剪辑和摄影机使用携带型充电电池的功能,成为专业用的规格。1972年飞利浦公司推出半寸卡式家用录影机,打开家庭录影市场。之后新力公司的Betamax系统,和日本松下公司的VHS系统,在家用录影设备占相当大的市场。1980年代初期,家庭录影机已具备多种功能,其中转、定格、遥控、慢动作、回带快找及数位化计时器等,影带的编辑转拷有相当大的便利性,对艺术家而言预留了一个创作空间。当录影机从笨重的商业型机器发展成廉价千变的手提式时,艺术家便开始尝试使用这种新的媒材创作。1962年美国传播电视号卫星升空,传播媒体讯息大量流通,电视文化侵入每个家庭;电视普及后带动了周边设备商品化的市场,录放影机及小型摄影机也发展成廉价的家电商品,艺术家便马上嗅觉到这种新的创作媒材,第一件使用电视为艺术创作媒材的作品,是在1963年由韩裔美籍的艺术家白南准(Nam-June Paik 1932-)在德国吴柏托的帕纳斯画廊(Galerie Parnass)的个展作品“对音乐的说明-电子电视”,这个展览奠定了白南准操控电视的艺术手法。他当时扭曲了电视节目播送的接收,并把电视机朝上或朝侧散置于整个房间。同时,他也做了观众和媒体互动的录影作品,扭转了两者间的关系。这些早期性的实验作品打开了此后三十多年来,他将电子影像引进艺术领域的第一步。最初的录影艺术以电视机为创作媒材,以批判电视节目陈腔滥调观念衍生出的作品。

  六O年代录影艺术的观念,受媒体时代的刺激,电视逐渐成为一项反制媒体的媒体,艺术家改变“电视”原有编码系统,并有组织的利用电视/录影/表演等多媒体形式,将整个六、七O年代有关政治的、社会的、艺术的、哲学的、多重关联去做“艺术编码”的创作。录影艺术“单一化”可说是最初阶的思维,整个机制系统是以电视为母体,不论创作形式改变多大,最后仍回到电视(机)的原点上。艺术家在设法改变人们所认识的“电视影像”,从最初的影像生产及发表,扩充至装置。

  (Installation)上的创作;之后由多媒体融合而成的视觉艺术,使录影艺术形成独立的发展体系。

  七O年代“录像投影机”的问世,开始被录影艺术家们大量采用作为作品发表的媒介,改变了对传统录影艺术“电视系统”的定义,一个不经由电视机或监视器传译的系统。而由电子色光投射出的影像,正好和前阶段的录影艺术观形成分水岭,由“录影”所出发的创作不在局限于区域性的媒体批判,而是更为独立的艺术风格。
表现形式

  1960年代初当录影被发觉成为新的艺术媒体时,除影像创作者之外,作曲家、雕刻家、诗人等都不在少数。录影艺术也随着科技与社会的脉动朝着极为多样化的媒体文化方向发展;表现的形式大可分为几项:

(一)视觉影像形式

  六O年代末录影艺术正积极的探究此一电子媒体作为创造新鲜美感的工具之各种可能性,主要表现方式,是以电脑来控制录影图象的合成;或是将画面依照明暗的层次区分成几个阶段,分别对应适当的色彩,作出具有动感、半抽象的画意性表现。1970年代,由于电子音响合成乐器的积极开发,录影艺术结合了音乐与影像,使得录影艺术的表现有了飞跃性的发展,其中以发展出视听效果精致的影像音乐节目MTV。由艺术家所创造的视觉效果被商业广告及电视台节目所挪用及模仿。1980年代则出现了以电脑绘图领域中所开发的数位式图象合成技术所制作的影像表现。同时,摄影机所拍摄,具有诗或绘画的内涵与特质的影像表现(影像诗、影像绘画)也不能忽视。录影艺术侵入了诗、小说或戏剧等,在传统上以语言或文字来表现的领域,超越美术的界线,将影像表现的范围扩展至更多元化的艺术领域中。

  (二)社会性媒体批判

  1965年SONY公司的手提式录影机的开发,给予艺术家掌控画面呈现的自主权。原因是它易于携带的方便性、将录制的场域延展至摄影棚外、影像不经冲洗即时显像的特长。从六十年代未到七十年代,关心社会环境,以及对大众传播媒体单向性、独占性的特质与现象进行批判的艺术家们,试图利用摄录影的技术来开拓新的传播管道;或专题追踪探索大众媒体所不取材的题目。例如在1975年乌斯科(T. R. Uthco)与蚂蚁农庄团体(Ant Farm- Doug Hall , Chip Lord, Doug Michels, Judy Porcter)用8-millimeter film 制作《永恒的画面》(Eternal Frame),再创出甘乃迪在达拉斯被刺的景象,对被间接调整过或由媒体延生出的经验,对真实提出质疑与批判。

  (三)结合表演艺术与观念艺术

  接续早期事件艺术(Events)及偶发艺术(Happening),于1970年代后兴起的表演艺术(Performance),艺术家成为行动者,即兴演出日常的行为;常在要求观众同时演出时,与现场的其他物体形成一个整体的环境为表现形式。其整体的特色为:视身体为一表现的素材(物体)、重视与公众的对话、经常采取仪式性的形式、戏剧性的要素浓厚。其与出现于1960年代末的观念艺术(Conceptual Art)同样都是重视行为的时间流程,受特定时间因素制约的艺术表现形式,录影技术发挥了记录、保存、传播或作品再构成、再表现的功能。因此表演艺术与观念艺术常使用录影的技术,与录影艺术有极为密切的关连。

  (四)装置艺术中的影像表现

  表现方式是以摄录影机与录放影机或电脑设备来构成整个展示空间(环境),并由观众直接参与作品的整体构成。摄录影机拍摄下来的影像直接在显示器上显现出来,或观赏者藉感应器与作品互动,实际表现出作品设置场所的状态;观众的形影与行为动作也在显示器上即时显现,这种作品的构成方式 一般称为“观众参加型的录影装置”。此外,还可使用复数的显示器来构成立体造形,将日常使用的电视机(显示器),或从天花板上垂吊下来,或放置于地面上,或与石头、植物等自然素材组合起来;甚至结合环境音乐,引导观者陶融于展示环境中。成为一可传递动态讯息的录影雕刻。录影装置的发表形式随着技术的进步与设备的不断推陈出新而更趋多样化。投射式的放影设备与数位化多机式的显示器的使用,不但使影像呈现的尺度超越了传统电视的尺寸。而且突破了电视机的形状与比例;后者的数位式功能可以机动性的作影像的分割与组合,画面的呈现更具动感,提供创作者在作品的尺度与构成上更大的表现空间。

  70年代西方的录影艺术一般多受器材的限制,比较倾向观念的构成与传达,到了80年代初期以技术导向为主的录影艺术家出现。不论是观念性或是技术性是否为优先考量,70年代到80年代中期录影艺术冲击到大众文化,特别是电视广告及MTV音乐节目的影响,其中画面所呈现的切割、不连续的跳接、超现实的悚栗画面、重复镜头、叛离世俗的造型、及意识型态视觉化的手法…皆被商业电视节目所挪用(陆蓉之,民83)。80年代中期以后,录影艺术与电脑密切结合,将影像开拓出虚拟的现实,更是前所未有的认知经验。70年代的艺术家在经费及设备的限制环境中,延伸他们的艺术语汇,90年代新一代的艺术家运用高科技的器材和技术,进行整合式的创作,录影艺术的名称再也无法涵盖多元的创作形式。在其独立美学的领域中,结合更多的艺术形式形成为“媒体艺术”。
科技的整合

  “录影”本身为视觉性强烈的媒体,当视觉、造形艺术家使用这媒体,就成为录影艺术。它是被独立于传统艺术之外的新形式,就像白南准说的:他在作录影艺术时,希望可以让电子影像狂放如毕卡索,抒情如雷诺瓦,理性如康丁斯基,或为比尔?维欧拉,拿起摄影机走在街上,投注的过程与画油画是一模一样的 (袁广鸣,民88)。白南准将科技的发明物“电子影像”,引入艺术的领域中,用艺术的手法操控先进、前卫的媒体,并与当时社会脉动及人文精神结合,为当代艺术注入新的力量。当新的科技领域有突破性的发展,日新月异的多媒体不断形成新的认知世界,新的技术更提升影像媒体的优越性,使科技媒体与艺术的关系,从单纯的辅助性工具转化为系统完整,极具潜力的主观性创作领域。媒体艺术家的创作也积极的尝试转换资讯的一般形态,来创造新的艺术表现与新的美学。

  1970年以后高科技产品发展迅速,电脑、雷射光线、传真机、影印机、卫星传播等。这些尖端科学技术,都成为创造想像和架构的创作工具,这些新的媒介能模拟真实世界,也能创造出幻想境界中的种种景观,在录影艺术创作与科技发展愈来愈密切关联的同时,对于作品创作过程中随取技术的本质,使得艺术家必须依靠更多的科技工具完成作品,创作的控制权就更加的模糊。自八O年代以来对录影艺术影响冲击最大的莫过于“电脑”的介入,它几乎瓦解了所有传统的录影艺术形成理论;并给予影像新的沟通传播方式,如网际网路、虚拟实境、视讯会议…等等,过去经由电子摄影机所撷取到的原始影像在也不再是作品的“文本”,而经由电脑数位化后的重组影像也只是构成系统的一部份,这个“被数位化的过程”才是录影作品的主体;艺术家使用新兴媒材的同时,结合更多的文化界如音乐家、表演艺术家、舞蹈家的合作,使录影艺术的创作活动进入另一个论述空间。“录影艺术”的名称无法满足多媒材创作的形式,“媒体”Media也由名词的的界定转为一种观念。
限制因素

  以科技媒材作为媒体艺术媒体创作的限制与特性分述如下:

  一、 无法纯粹由手工处理,必须经过机器设备(放影机、电视、电脑或投影机),影像才能呈现。

  二、 呈现品质与使用的科技设备有绝对关系,直接影响作品呈现效果。如影像必须透过摄影机拍摄及放影机播放,摄影机及放影机就直接影响影像品质。

  三、 作品中媒体与商品(电器)混合呈现,纯艺术Fine art受到考验。

  四、 创作技术过于专业,艺术家必需与工程师合作完成作品。

  五、 作品的呈现受限于展场空间及设备。

  媒体艺术创作特性:

  一、 艺术家可藉科技设备任意转换视觉性空间。

  二、 经由影像编辑,易于操控、重组及压缩时间,改变时间的线性。

  三、 声音与影像可无限的复制与修改,作品可同时展示于多处。

  四、 可即时性与互动性的纪录及播放。

  五、 任意的搭配组合,创造新的意义。如录影可以描写真实、或重新将种声音与影像组合改变原意。

  六、广义的媒体艺术括了录影艺术,声音的艺术,录影装置艺术、录影投影装置、互动艺术、机械艺术、光艺术、照相、电影、表演。在高科技技术整合艺术媒材所称的科技艺术,也都包含在内。
结论

  电子媒材的出现,使得二十世纪以前的艺术家赖以表现的媒材,作为追求作品完美的方式以不合时宜,即使艺术家在现代,也不断的使用混合材料与新的电子科技媒材来表达新世纪的艺术观。当录影成为一种艺术时,它就被建立在复杂而专业的知识上,艺术家不但需要有美学素养外,更要能学习运用新的科技媒材与专业知识。录影艺术发展到现在不只表现影像的内容,而是将影像结合声音艺术、装置艺术、录影投影装置、互动艺术、机械艺术、光艺术、照相、表演及高科技设备等,而形成为复合式的媒体艺术;在创作中,艺术家不但要有摄影师的技术及内涵外,也要有电影导演诠释剧本的修养;在结合其它艺术形式时,又必须要有其它领域的特色,在形式表现的拿捏就必须注重,所以媒体艺术在创作前,必须了解艺术的发展脉络及媒材的特性,更要注重美感的表现。艺术创作角色也由“操作”转向“理解”;现代的录影艺术家必需提供完整的“思想观念”,主导性地将多种媒材再造与整合。

  摄影艺术


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  造型艺术的一种。以照相机和感光材料为工具,运用画面构图、光线、影调(或色调)等造型手段来表现主题并求得其艺术形象。拍摄者使用照相机反映社会生活和自然现象,表达思想感情。根据艺术创作构思,运用摄影造型技巧,经过暗房制作的工艺程序,制成有艺术感染力的照片。”就概念而言,根据中文中心词后缀的惯例,“摄影艺术”可通俗理解为:摄影的艺术,广义上包括一切与摄影有关的艺术活动;狭义上特指可以作为一个艺术品种存在的那一部分摄影,是《辞海》所说的“造型艺术的一种”。



  内容分类

  所摄影的影像的内容,可分为风景照、静物照、肖像照、风俗照、新闻图片等。在摄影中首先认定照片可以被分为不同类型时,按照这样的推论接下来自然是三段论式的演绎了,于是就进入种+属差的分类,如果找到了一个中辞,也就把大辞和小辞必然地联系在了一起,因而前提和结论之间的关系似乎就不言自明了。而参于其中的心灵活动就被遮蔽在这种貌视合理的划定里了,心灵的绵延被理性的容器强制地分解确定成为本质,而这所谓的本质被理性的翅翼带进了思辩的真空,不会再遇到任何的抵抗。但这样的飞越是否能在心灵之境翱翔呢?

  摄影的逻辑在于表现存在的多样性方面,创制者选入一种特殊的方式向我们展现其本己存在的某个可能,在理性逻辑无意义的地方获得诗性的意义。在此所借用的“逻辑”二字,与源于爱利亚派存在论的唯理逻辑不在同一个范畴,而恰恰是在巴门尼得所指向的那条意见之路上,诗性的意义才更向我们展现出澄明之境。爱利亚派形成的西方存在论逻辑传统,在回答人的“是之所是”只是得出这样一个定义:人是会说话的动物,而心灵之境被断然地拒斥之外。新存在论在回答人的存在问题时,尝试在被巴门尼德禁止通行的意见之路上去重新构建人的存在(生存),而艺术也就在这种新存在下获得了其自足的发展。

  既然动摇的是传统逻辑演绎的存在论观,对于摄影重构的基础依然应该在于存在的基地上,只不过是以新存在论的存在者层次上的存在结构出发,来对摄影的“在/是”,利用展示的手段,而不是演绎的方法进行阐释。就如非欧几何对欧几里德几何方法的重构一样(卡西尔《人论》)而对于摄影而言,首先可切入的研究领域既是纪实与艺术这个争论不休的话题,“纪实与艺术的存在观”这当是一个值得梳理的话题,对于过去关于纪实与艺术的争论有典型的四种观点,都是在二元论上进行的对立展开,而新近的观点中,或是把纪实的外延扩大使艺术被纳入纪实中,或是反之,以结束二元的对立状态,但结果仍是在传统的存在论中打转。若是从新存在观中来对其进行清理时,纪实和艺术被认为不是断然对立的存在。通过这样来解构传统摄影观,目的是在于清理出附着在摄影本身上污泥,打扫干净后,以还原出摄影的本来面貌。于是从新存在论出发来探求摄影的成问题之处将是映入我们眼帘的新的视野。正如传统思想方法的轴心是传统的存在论一样,新存在论依然是新视野思维中的轴心,在引导语言转向的三个因素方面,新存在论是从根本上动摇了逻各斯的中心,而符号论,语言论,及后现代等等无不是在新存在论的圭章里展开其对传统存在观的批判和颠覆,传统存在观的视域只是被限定在某个由新存在论得出前提的范围内的演绎,也就是在时间的维度上被限定于当前化。

  时间上的当前化是巴门尼德一直到黑格尔的传统存在论的表现形态,因为在传统存在论中,时间也只是作为存在物的一个种属。当前化的视界使传统存在论失去了历史性的存在域,变为只是此在的在场(《存在与时间》。时间与自我同一是现代思想中最显要的特征(《现代性面面观》),缺乏历史性视界的传统存在论越来越备受质疑,其带来的二元对立也越来越不能不可疑地演绎出人生存问题的独特品性,因为,作为一种存在的方式的时间维度,使存在的结构性基质被放入到生存的过程中时,存在才能获得了本己的领会。

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  主要特点

  在于所表现的对象必须是实际存在的。体裁上分新闻摄影、人像摄影、风景摄影、动静物摄影等。

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  造型艺术

  是摄影师运用照相机作为基本工具,根据创作构思将人物或景物拍摄下来,现经过暗房工艺处理,塑造出可视的艺术形象,用来反映社会生活与自然现象,并表达作者思想情感的一种艺术样式。

  中西艺术

  摄影术于十九世纪三十年代诞生于法国,数年后由西方传入中国。一个半世纪以来,摄影艺术在中国文化的土篮里生长,许多摄影家在摄影艺术创作中追求民族形式和东方神韵。中国传统美学的养分使中国摄影艺术根深叶茂。我们既应当看到摄影的本体特征是纪实,其瞬间的长驻性和纪实的逼其性的特征,表现在中国摄影家与西方摄影家的艺术创作时的方式上是相同的。但也应当看到由于中国与西方所处的自然地理环境不同、历史发展进程不同以及文化传统的不同,因而中国与西方摄影艺术的审美意识、艺术理论产生了差异性。中国传统哲学、美学理论对中国摄影家的审美意识、摄影艺术的表现手法和美学理想产生了重要的影响作用,因而呈现出鲜明的民族特色。

  一、由于中西方在人与自然的关系上认识的差异,造成艺术摄影中占主要地位的摄影题材的不同:人体与风景?

  当今中国艺术摄影的题材非常广泛。可以说,西方艺术摄影的所有题材,几乎都有中国摄影家在拍摄。然而,在对中西方摄影艺术史上各占主要地位的题材进行审视时,我们会惊奇地发现,二者的差距竟是如此之大。西方摄影主要内容是拍摄人(肖像、人体、纪实)。特别是人体摄影有其艺术传统。西方摄影史上,在摄影术发明不久,达盖尔银版照片就有人体题材。被誉为‘吃术摄影之父”、《人生的两条道路》的作者奥斯卡·雷兰德堪称人体摄影领域的先驱。尽管人体摄影艺术的风格和流派的更迭、流变,但其势常盛不衰。

  而在中国,人体摄影长期以来一直不能成为摄影家创作的主题。二十世纪三十年代有骆伯年拍摄的《汲瓮》、郎静山的《凝思》,此后人体摄影潮涨潮落。而社会上对人体摄影的理解程度,固然与中国特有的文化背景、民族传统有关,更与时代的风气有关。另一方面,在中国,风光摄影在艺术摄影活动中,成为数量最为庞大、地位最为显赫的摄影主流。与此产生反差的,西方摄影史上,风光摄影却从未占有过重要的地位。鲍昆认为:‘哪使是被公认为风景摄影大师的安塞尔·亚当斯,在其摄影实践中,恐怕对他最为重要的还是对于‘区域曝光法’的研究,和如何利用这种方法更好地表达自我与自然的沟通。对于摄影技术特性的痴迷和膜拜,使他的艺术明显地区别于我们现在所谈的风光摄影。”

  造成题材巨大反差的原因,我们可以从社会、政治、历史等多方面去探求。但最根本的原因,是中西方对人与自然关系问题存在着重大差异。

  在西方,人与自然的关系是对立的。西方人认为,人既属于大自然的一部分,又是大自然发展到一定阶段的尖端产物。作为自然尖端的人与一般自然相对立。他们强调人对客观自然的主宰地位。他们自古以来就养成了征服自然的民族性格。反映在审美意识上,往往是审美主体与审美容体处于分裂与对立的关系中,进入“天人相胜”之境。因此,西方艺术的主要表现对象,不是自然,而是人。西方艺术家竭力表现人的肉体和精神完美的统一。在西方古典时期和文艺复兴时期,人体艺术都占据着重要的地位。这种传统必然体现艺术摄影上。

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  在中国,人与自然的关系是和谐统一。中国人在人与自然的关系上倾向于人是自然不可分离的一部分,人与自然合二为一。反映在审美意识上是审美主体投入审美客体,客体融于主体,达到物我两忘的“天人合一”境界。因此,中国古代艺术主要表现对象是山水。中国的山水诗画成熟得早,出现在晋宋之际,即公元4世纪、5世纪之交。在西方,自然被当作独立的审美对象,17世纪出现于荷兰绘画,18世纪才在英国、德国的浪漫主义诗歌中确定下来。反映人与自然和谐之美的中国文化传统,至今影响巨大,激励着中国摄影人踏破铁鞋去渴拜名山大川,为祖国山河写照传神。旅美风光摄影艺术家李元也深深感到传统文化对他的熏陶,一直影响到他对大自然的感情。他说:,“三十年来,当我每次拿着相机走向山林湖海,我的生命似乎变得更充实。慢慢地,我开始领悟到我对于大自然的这份感情,和我自幼受到文化传统的熏陶有着必然的关联。正因为中国文化传统讲究‘人法地,地法天,天法道,道法自然’,使得司马迁会觉得,唯有‘究天人之际’才能‘通古今之变,成一家之言’。的确,大自然给我的启发使我充分领悟到,大自然是师,是友,执着地探讨和追求,天人之际的距离似乎就愈来愈短了。”

  林语堂有一段话论述了中西方艺术表现对象的差别,很有趣,对于理解摄影题材的差异会有帮助,兹录十下:“中国艺术的冲动,发源于山水;西洋艺术的冲动,发源于女人。”“西人知人体曲线之美,而不知自然曲线之美;中国人知自然曲线之美,而不知人体曲线之美。

  “西人想到‘胜利’、咱由’、‘和平’、‘公理’就想到一裸体女人的影子。为什么胜利、自由、和平、公理之神一定是女人,而不会是男人?中国人永远不懂;中国人喜欢画一块奇石,挂在壁上,终日欣赏其所代表之山川自然的曲线。西人亦永远不懂。西人问中国人,你们画山,为什么专画皱纹,如画老婆的脸一样?”“中国美术,技术系主观的(如文人画、醉笔),目标却在神化,以人得天为止境”西洋美术,技术系各观的(如照相式之肖像),目标却系自我,以人制天为止境。”“林语堂谈到这二者的根本区别在于人与自然的关系,是“以人得天”还是“以人制天”,同时还提到中西方艺术创作的方式的不同,即中国艺术方式是主观的,西方艺术方式是客观的。

  二、由于中西方在艺术反映世界的方式不同,造成艺术摄影的表现手法的各有侧重:写实与写意?

  摄影术是科学的产物,中西方摄影家都是运用光影和色彩在二维的空间上创造出三维的视觉形象,这些都是相同的。但是,中西方摄影家在艺术创作的表现手法上确有差异。在黄山上,遇上晴天,西方摄影家扛上机器去记录松峦的纹理,捕捉光影的变幻,而中国摄影家在宾馆里休息。可是,当乌云密布、大雨滂论时,西方摄影家躲到宾馆里去,中国摄影家则冲出去拍摄这云雾升腾的仙境。

  摄影语言与哲学观、科学现紧密结合。西方人欲以进取精神达到征服自然的目的,必然讲科学。西方造型艺术借助科学塑造出酷似生活真实的形象。而摄影术本身就是科技的产物,光学、化学、材料学等科学技术的发展对摄影术的诞生与发展起很大的作用。而构图学、色彩学和美学成为摄影艺术理论重要部分。西方摄影家构图充满画幅,单点透视,周光影塑造立体的形象,讲求质感、形状、色彩。李元认为,亚当斯利用大相机来突出对工业精密性的崇拜。而且,那样的精密已经超越了我们由眼所能看到的,反而显得生硬。

  而中国造型艺术更多的讲哲学。儒、道、佛三家的入世与出世两种思想,影响着艺术家的生命历程和艺术历程,也影响着艺术家的艺术创作方法—一写实还是写意。尊儒者追求入世,重写实;而坎坷之士则信佛老,超脱尘世,艺术创造时不求形似求神似,追求抽象意蕴。“文人画”的特点就是写意。中国画家突破了焦点透视和固定光源的明暗造型法的束缚,创造了散点透视法和线描塑造形象的方法。作画时大胆取舍,保留最能表现物我精神气质的形象特征。画面上留有大块空白,形成了绝妙的空灵感,给了观赏者想象与再创造的空间。文人画松、竹、梅、兰,表现了画家高尚的品格。这些传统对于中国摄影家影响很大。刘半农将艺术摄影称为“写意照相”。朗静山以写意的手法,创造了集锦摄影法,制作了《春树奇峰》、《晓汲清江》、们利游》等作品,获得了国外摄影名家的普遍赞赏。胡伯翔的《石城晚归》、老众苦的《一肩风雪》、吴中行的《归牧》等,直至当代的敖恩洪、陈复礼、简庆福、袁廉民的作品都颇有中国画意。摄影家于云天在作品中喜欢用大面积的黑,衬托一点点光亮。他说:“在中国画的画理中是留白,摄影正好和这个相反,以留黑来反衬这个白。在绘画中讲究省笔,也就是留白;在摄影中,省光则是留黑。”袁廉民的黄山摄影作品常常表现出空灵的神韵。他以黄山云雾来“留白”。美国友人海伦·斯诺称赞他的《云涌玉屏峰》“令人惊叹”。她写道:“看到这种云雾中隐约闪现的景致,仿佛置身于古老道学的玄秘奥妙之中。”袁廉民正是用最具写实功能的相机、胶片,创造出了抒发心灵的写意作品。

  三、由于中西方的艺术传统和美学追求的不同,造成艺术摄影体现其审美理想的形式的不同;典型与意境。

  西方再现,艺术较发达,以人为表现主题,强调再现、求真,吸收科学成就来塑造酷似真实的艺术形象,其古典艺术理论中最经典是“摹仿说”。摹仿就是对客观事物的摹拟、仿制。亚里士多德在《诗学》中谈到“摹仿说”:“这些事物是按照它们应当有的样子描写的”。摹仿说后来发展成典型理论。巴尔扎克认为:“典型是类的样本”。别林斯基在论述典型化时,提出了“熟悉的陌生人”的命题。恩格斯关于典型形象与典型环境关系的重要论述,对典型理论作出贡献。西方摄影家运用西方古典艺术理论的传统,拍摄了一些具有典型意义的形象,如卡什的《愤怒的丘吉尔》、哈尔斯曼的《原子的达利》等等。

  中国古代的表现艺术较发达,诗言志,词缘情,绘画推崇‘橡外之意”。诗人、画家在大自然的审美观照中触景生情,“登山则情满于山,观海则意溢于海”。在艺术创造中,追求情景交融的境界。唐代王昌龄提出意境的概念,而近代的王国维大力标举意境,成为意境理论的集大成者。他认为,意境是情与景、意与象的交融统一。意境已成为中国传统美学的校。心范畴。它是艺术家高尚人格襟抱的体现,也是抒情类艺术作品审美的最高境界。意境同样存在于中国优秀摄影作品之中。刘半农认为,照相可以分为写真和写意两大类,‘写意,乃是要把作者的意境,借着照相表露出来,必须有所寄藉。被寄藉的东西;原是死的;但到作者把意境寄藉上去之后,就变做了活的。”他还认为,作品中的意境不是摄影技术、技巧所能限定的,它远比摄影技术、技巧重要得多。

  意境理论对于当今摄影家有着重要意义。李元说:“唁境是指心意里面的环境,它建立在联想上,也可以被认为是。心灵从现实生活中的一种解脱。”正因为意境是一种解脱,而脱离现实的束缚多半只能求之于野外,这就使得意境的追求在风光摄影里更为重要,也使得中国文化传统下的风光摄影更有了深度。”“于云天谈自己创作的一组风光作品《九歌》时说:“至于作品的内涵,也符合我一贯的创作思想,我在画面中追求的是意境,境由山造,意在高远。”更多的摄影家在作品中将主观情感与客观物象交融互渗,创造出充满诗情画意的意境。袁毅平的《东方红》、黄翔的《黄山雨后》、陈复礼的《搏斗》、简庆福的《,心有千千结》、袁廉民的《蒸蒸日上》、陈长芬的《日月》等等。这些作品给读者和观赏者以美的通思和心灵体验。

  摄影是世界语言。在没有文字说明的情况下,不同民族的读者一般可以通过作品的光、影、形、色来读懂作品内容。中国摄影家们已认识到摄影的本体意义,运用摄影本体语言来捕捉瞬间,记录生活,叙述事件,抒发心灵,而民族传统深深地积淀于中国摄影文化之中。21世纪的中国摄影人将吸取世界其他民族摄影文化的优良品质,弘扬中华民族的文化传统,创作出无愧于时代的优秀作品,铸造中国摄影文化的辉煌。


  视觉艺术



     视觉艺术是用一定的物质材料,塑造可为人观看的直观艺术形象的造型艺术,包括影视、绘画、雕塑、建筑艺术、实用装饰艺术和工艺品等。造型手法多种多样;所表现出来的艺术形象既包括两维的平面绘画作品和三维的雕塑等艺术形式,也包括动态的影视视觉艺术等视觉艺术形式


     视觉艺术的发展


     视觉艺术的应用于艺术方面的有应用艺术、装饰艺术和手工艺,但是这些都不能一概而论。在19世纪下半叶的英国工艺美术运动中之前,视觉艺术家仅限于从事创作美术的艺术家(例如绘画、雕塑或者版画),而布涉及手工艺者和工艺艺术家。那些在工艺美术运动中高度赞扬本国艺术的艺术家们强化了视觉艺术家的区别。艺术院校认为手工艺者不能代表艺术,使得美术与手工艺分化更明显。贵族特权绘画与雕塑的增长趋势远远超过其他艺术作品成为了西方和东方的特征。东西方的画作很大程度取决于艺术家的想象力,甚至需要劳动力。在中国画中,最被人们推崇的是大师画作,至少是受过理论训练的业余爱好者。西方的艺术等级也表现了同样的态度。



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     视觉艺术

     艺术形象的造型艺术,包括影视、绘画、雕塑、建筑艺术、实用装饰艺术和工艺品等。造型手法多种多样;所表现出来的艺术形象既包括两维的平面绘画作品和三维的雕塑等艺术形式,也包括动态的影视视觉艺术等视觉艺术形式。


     视觉艺术不同于听觉艺术,它是看的见,用手摸的到的艺术,强调真实性。绘画艺术、雕塑艺术、服装艺术、摄影艺术都是传统的视觉艺术。影视艺术、动漫艺术、环境艺术,这三个视觉艺术的存在时间不是很长,但是却起到了很大的作用,影视艺术和动漫艺术属于综合艺术,既属于视觉艺术又属于听觉艺术。环境艺术是一个新兴学科,它在环境的规划方面起到很大的作用,对人类的生活起到很大的帮助,使城市的规划更加人性化。所以环境艺术是很好的视觉艺术形式!


     视觉艺术的学习还包含对视觉文化的学习,分析和研究视觉世界中观念性的因素。以颜色为 例,学习颜色不仅包括使用颜色的各种技术使用手段,还应包括更广阔和更深入复杂的问题,要求理解各种颜色的象征意义,各种颜色引起的情感反应,全面认识在不同历史阶段和不同 文化中,颜色使用方面的各种微妙问题。


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